Las 10 canciones más esenciales de David Bowie

Por: José Marr

En casi 50 años de carrera, 25 discos de estudio oficiales... se trata de uno de los más grandes artistas y personalidades de todos los tiempos al que hasta la palabra "rockstar" le queda corta. Se trata de David Robert Jones, a quien conocemos simplemente como David Bowie, y un par de palabra común denominador de sus muchos personajes que atravesó a lo largo de de los años; Ziggy Stardut, The Halloween Jack, The Thin White Duke, Aladdin Sane, en fin, una prueba de la identidad camaleónica y multifacética que repercutía también en su constante y siempre cambiante trabajo musical. Así que por lo mismo sería muy difícil escoger que etapa fue mejor, hasta sus mismos recopilatorios de éxitos a veces parecen no hacerle justicia ni complacer en totalidad a todos sus seguidores, incluso en su última etapa con The Next Day y Blackstar, y sobre eso, en toda su extensa discografía, he intentado -en base en una especie análisis- seleccionar sus 10 canciones más esenciales.

No las mejores, ni las más reconocidas, más sonadas o exitosas (porque así hay ausencias) sino aquellas 10 que intentan abarcar la esencia de su casi infinito espectro musical.

"Space Oddity"



 
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Space Oddity

1969

 

"Space Oddity" es la piedra angular de la mitología que Bowie creó con su música, un tema inspirado en 2001: Odisea Del Espacio y convenientemente lanzado en el 69 para coincidir con la llegada del hombre luna. En aquel momento fue vista por muchos como una manera de obtener atención fácil ante tan relevante acontecimiento porque vaya, ni siquiera Tony Visconti (productor casi durante toda la carrera de Bowie) es fan de la canción. Sin embargo, presume de ser una ejecución fantástica de una idea que pudo haber sonado terriblemente malograda de haber caído en las manos equivocadas. Un dialogo entre un astronauta y el centro de control que además redondea con la atmósfera desolada y aislada. El coro es icónico con ese quiebre acústico y psicodélico que ayuda en el momento climax de la canción, definido por la coda con tinte progresivo que a su vez, refleja el final trágico del astronauta protagónico: Major Tom. No sólo es un gran tema, sino que podríamos tomarlo como una metáfora del mismo artista, ya que aquí despertó y tomó vida la idea, de crear alter ego's para futuras historias y composiciones.

 
 

"Life On Mars?"

 

Hunky Dory

1971

 



He aquí una pieza perteneciente al álbum Hunky Dory, una de las más representativas obras del inglés y con una de las facetas más distintivas, especialmente por pertenecer fielmente a la década de los 70. El sonido del compendio está dirigido por el piano de Rick Wakeman (Yes), y se aprovecha por supuesto el tener a un titán del instrumento conjunto al fantástico talento de Bowie para resolver melodías, especialmente cuando las secuencias de acordes parecen poco comunes o enredadas. Su capacidad de resolución en estos casos, siempre logra saltar a algo poco esperado y sumamente especial. Para ejemplo la legendaria "Life On Mars", vitrina de versos sencillos en una escalera de pequeñas notas de piano pero con un estribillo que torna en una euforia surreal coronando una de las mejores letras de Bowie. Mick Ronson, su gran compañero guitarrista de la época, ingresa brevemente para preparar la seguida del 2do verso y llevar las emociones cada vez a mayores cantidades. Una prueba de como Bowie elevó la power-ballad al estatus de arte, incluso antes de la llegada de Queen.

 
 

"Little Wonder"



 

Earthling

1997

 

A partir de los 80s tuvimos una era muy complaciente de Bowie, fue una década donde éste, dejó de ser quizá tan innovador provocado por una presión de las disqueras que lo veían con potencial de pertenecer al jetset y la gran corriente comercial de la década que se encontraba en las discotecas. Sí, tuvo su gran momento con Let's Dance pero también tocó puntos bajos con Tonight o Never Let Me Down, sin embargo tuvo una gran transición hacia los 90s adaptándose a las tecnologías, incluso abusando de ellas con Outside pero encontrando el equilibrio con Earthling en 1997, donde para esos años, la electrónica pudo por fin convivir con el Rock y de este modo, en ese trabajo recobró las guitarras y percusión natural, a tiempo que estaba cargado de Techno y jungle. De ahí el gran tema "Little Wonder", que además queda como un gran testimonio de que The Chemical Brothers ya había llegado al mundo un par de años antes.

 
 

"Modern Love"



 
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Let's Dance

1983

 

Observar las caratulas de los álbumes de Bowie es ver la historia de la música. Venir de la trilogía de Berlín, uno de los pasajes más desafiantes que vivió hasta llegar y proclamarse con todas las de la ley, como una estrella Pop de los 80s descaradamente, como si hubiera nacido para serlo, anunciado desde la vestimenta, los bailes y el nuevo cabello corto y rubio. Hay una leyenda sobre Marc Bolan -quien lo dice o a quien se lo dijeron. No recuerdo bien- como artífice del glam rock que dice que quienes se encontraban en el estudio con él había que ser precavidos, porque al mínimo vestigio de algo nuevo, Bowie era capaz de tomarlo para hacerlo suyo. Y como sea el caso, el ahora ex Duque Blanco estaba listo para hacer bailar a las discotecas del mundo en 1983 con su álbum Let's Dance e iniciando por todo lo alto con un hit de nombre "Modern Love". Con Nile Rodgers de productor y con su nuevo amigo Stevie Ray Vaughan, no podríamos decir que Bowie hizo apenas un disco super ventas de hits vacíos, alguna vez dijo que fue "una bestia que no pudo parar" y tuvo que continuar con un par de trabajos que marcaron un declive en su carrera (Tonight y Never Let Me Down). Pero si uno prende la radio y escucha esta canción en las estaciones de clásicos, es uno de los más frescos hits de la década de los 80s, con una clase despampanante y cómo no, si era Bowie entrando con autoridad en las listas de éxitos.

 
 

"New Killer Star"



 

Reality

2003

 

El último disco de David Bowie antes de la pausa de 10 años en su carrera, fue Reality. Coronando así una etapa donde se fue desprendiendo de los looks extravagantes pero todavía luciendo estrafalario, veterano pero estrafalario al fin; y prácticamente así suena esa colección, tan sobria como extravagante y la bienvenida con esa remarcada guitarra de "New Killer Star" llevaba a un nuevo nivel la madurez y elegancia grisácea de Heathen, reutilizando influencia propia de los 70s pero aprovechando de manera sofisticada embellecedores coloridos obtenidos en el estudio. Un corte tan sencillo pero de una fragancia tan hipnotizante como la portada de esa placa.

 
 

"Starman"

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust, 1972

Si nos podemos aventurar a decir que un disco representa a Bowie en todos los sentidos, es sin duda The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, y en todos los sentidos. La definición de lo que había logrado hasta ese entonces, y todas sus pretensiones materializadas sin error. Rock con un encanto Pop a partes iguales, y además sería donde los personajes del frontman, tomarían una gran relevancia como en este caso, el extraterrestre que planeaba destruir la Tierra. Y de ahí "Starman" es un pieza crucial en la cronología de Bowie debido a que fue la canción que demostró su potencial y características únicas para la época, cristalizadas de forma perfecta. De modo que el impacto de éste, cobró nuevos niveles cuando "Starman" fue el sencillo promocional de dicho álbum. Un acto sublime donde cada elemento brilla al por mayor; las guitarras de Ronson, los acentos de violín y una melodía apasionada que a más de 40 años sigue haciendo creer que Starman era el personaje que salvaría de la destrucción a la Tierra.

 
 

"Heroes"



 

Heores

1977

 

El encuentro musical de David Bowie con Brian Eno en Berlín arrojó 2 de los mejores discos en el catálogo del inglés. Lo desafiante y emocionante que era para ambos trabajar a par, fue tal, que en 1977 aparecieron dos monstruos de nombre Low y Heroes. El primero un punto de quiebre que desconcertó por su extraña mezcla y sus fundidos ambientales tan ajenos a la época, pero que no tardaría en traducirse como un disco adelantado a la época y vanguardista hasta el día de hoy. A sabiendas que había sido demasiado para los simples mortales, Eno y Visconti como productores, rebajaron la densidad del estudio sintetizado y con la incorporación del guitarrista Robert Fripp (King Crimson), se provocó una restructuración a una forma más accesible de lo presentado en Low. Obviamente "Heroes", no es en vano uno de los temas más celebres en el repertorio de Bowie, o en la misma historia del Rock; desde la letra que refleja un sentimiento infinito y a la vez insignificante, pero con el deseo de ser más que un simple humano, hasta la misma música, pese a su sencillez, fue una nueva patente del astro inglés para hacer himnos, una secuencia de no más de 3 notas que sube en octavas, que estalla en cámara lenta pero logra culminar en un momento glorioso donde el interprete ofrece un desborde emocional que es capaz de llevarnos a las lágrimas. Mención especial de Fripp que con una cuerda sostenida de brillo incandescente, es parte fundamental del track.

 
 

"Station To Station"



 

Station To Station

1976

 

El álbum Station To Station es lo mejor fuera del progresivo que se ha hecho con 6 canciones. El title-track es una de sus canciones más monstruosas y que pasan más injustamente desapercibidas, y quizá por ser de lo más bizarro que jamás hizo. En el pico de su adicción a la cocaína, Bowie estaba hecho pedazos consumiendo leche y pimientos, y paranoico gracias a sus lecturas ocultistas, así, un nuevo personaje despertó en él como una especie de purga personal: The Thin White Duke; un aristócrata gélido que canta canciones apasionadas estando vacío por dentro. Desde sonidos de trenes pasando a una sección funky irresistible que crece y juega con una sucia guitarra eléctrica por 3 minutos hasta que entra Bowie anunciando el regreso del Duque Blanco, con un fraseo elegante, contoneando su registro grave y sensual con sus altos adornados por su icónico vibrato, líneas memorables son entregadas, lo cual revela que las estaciones a las que referencia, son las estaciones del árbol de la vida de la cábala. A la mitad la canción cambia de clave y pasa a una fase optimista mientras Bowie se cuestiona sobre su estado mental y al final se torna a un ritmo disco lleno de complejidades. Hay miles de temas que pudieron hacer de las ideas en Station To Station, y es aplaudible como Bowie decidió usarlas todas en una sola obra maestra que bien merece atención a los niveles de ¿"Bohemian Rhapsody"?. Sin duda esta fue una de las más excéntricas etapas de David, y aquí es la mejor prueba de ello.

 
 

"The Width Of A Circle"



 

The Man Who Sold The World

1970

 

The Man Who Sold The World no es uno de los discos más reconocidos en el catálogo de Bowie pese a que fue su primer parteaguas en una prematura carrera después del antecedente de "Space Oddity". El autor se alejó del Folk psicodélico, incorporó a la alineación al incomparable guitarrista Mick Ronson y también comenzó la dupla con el productor de cabecera Tony Visconti, quien en esos años fue también su bajista y 2da voz. Con esta combinación apareció el Bowie pionero del glam rock y fue la transición hacia las personalidades estrafalarias -vean la portada del álbum- y así "The Width Of A Circle", fue el corte rompedor hacia un sonido más oscuro y áspero, reflejado por otro lado, en sus letras ahora con un enfoque más ácido y atrevido. Esta pieza abriendo aquel álbum en un lejano 1970 fue una total declaración de intenciones y un big bang de todo el poderío de su nuevo álbum. "The Width Of A Cirlce" es una suite poderosa y progresiva de 8 minutos que bien combina elementos acústicos en su inicio y cambia de intensidad con guitarras proto-metaleras. Dichos cambios se manejan de forma excelsa hasta el punto donde se disuelve hacia un blues electrificado, dejando un coro que estremece como final de un viaje que pasa del cielo al infierno, de estar con Dios a llegar con Satanas como el mismo frontman lo narra en la letra. Estas son las cosas que convierten al tema en algo espectacular y una de sus creaciones más ambiciosas jamás hechas.

 
 

"Lazarus"



 

Blackstar

2016

 

La muerte de Bowie tomó por sorpresa a todo el mundo, más, porque parecía venir a marcar otra etapa igual de fructífera como toda su carrera. Nuevo disco, nuevos sonidos, hasta una obra de teatro musical. Pero había incógnitas en aquel momento ¿Por qué no salía él a promocionar todo? ¿Por qué Michael C. Hall en TV cantando las canciones? ¿De quién hablaban las letras de "Blackstar" y "Lazarus"? bueno, a lo mejor era del mismo personaje que se montaría en la obra. La sorpresa vino cuando nos enteramos que todo el concepto del último disco de Bowie era prácticamente un performance de su muerte, de un secreto cáncer que lo llevaba rápidamente a los últimos días de su vida. Y la cronología de los hechos fue precisa, hasta en eso, hasta en el último acto de su vida, fue un genio. El video del sencillo se estrenó el 7 de Enero del 2016, el álbum salió el 8, el día de su cumpleaños, y su muerte se anunció las primeras horas del 10 de Enero. Elevando el significado de todo lo que nos dejó en su último capítulo. Si el ritmo pausado, el tono lúgubre y la interpretación dolosa ya es capaz de erizar la piel por sí sola, ahora imaginemos (ayudados por la representación gráfica del video) que Bowie se estaba despidiendo literalmente de este mundo como el gran artista y personaje que fue en la historia de la humanidad.

 
 

Soy un chavo de onda y me pasa el Rock n Roll. Digo lo que pienso y por qué pienso lo que pienso.

@jr_marr